Forschung am Dienstag/Colloquium 48

Edward Williams From Disorientation to Tonality* | 11.6.2024
Queer Theory and Enharmonic Music

In this Interpretationsforum Ed Williams will present their research into the connections between trans and queer phenomenology and the enharmonic experiments of Nicola Vicentino (1511-1576), including extracts of their own artistic research as well as a presentation of Vicentino‘s „Arciorgano“. Philosopher Paul B Preciado‘s comparison of the Copernican revolution of heliocentrism to today‘s multiple gender identities might be extended to Vicentino‘s arguably non-binary „enharmonic“ music, as a system that disorients by questioning tonal centers. Ed‘s research approaches these questions by focusing on the themes of disorientation and decomposition in reference to Sarah Ahmed, Emma Biga, Donna Haraway, and Jack Halberstam.

Drawing lines between pre-modern concepts of music with queer theory, they will present the disorienting capabilities of the arciorgano, reinforcing this with examples of the research they‘re developing through their „Disorientation Lab“ and „Decomposition Studies“ in collaboration with students from the HSM. Suggesting correlations between experimental music theory of pre-lndustrial Europe and the post-structuralist thinking from the post-industrial West today, they will attempt to illustrate the interdependent relations between Vicentino‘s sound world and queer theory, where both are tools for probing the norms established by the culture they grew from, namely, European ontologies of rigid, hierarchical classifications.
Das Projekt wird im Rahmen des MA SP Music and Research durchgeführt.

Ed Williams is a harpsichordist, guitarist and composer working within the interstices between early music practices, noise improvisation, experimental composition and trans*feminist thinking. Based between Marseille and Basel, they are currently working with organ, harpsichord, electric guitar and other instruments on open compositions that combine 16th-century microtonality and improvisation with contemporary performance practice. These collaborative processes are developed alongside research into queer phenomenology and trans*feminist notions of dis/orientation, dis/identification, and entanglement.
The term „decomposition“ summarizes the overall nature of these projects. They have released music on Editions Wandelweiser, Creative Sources, lnsub. Records, and Tombed Visions, and they play with the lnsub Meta Orchestra and Unorthodox Jukebox Orchestra. They hold ABRSM Grade 8 in Harpsichord and Classical Guitar, BMus in composition from the University of Edinburgh, MA in Open Creation from the HSM Basel, and Diplome Cycle III in electroacoustic composition from the Marseille Conservatory. They also specialize in translating texts for new music, working with Maisan ONA, Artchipei, and others.

Dakota Wayne Colliding with the Lens | 30.4.2024
A lens bends the path of light, inviting certain ways of perception. We can also create imaginary lenses to place on existing ones. These lenses are not completely immaterial. At times, we may even collide with them, closing distance.
Das Projekt wird im Rahmen des MA SP Music and Research durchgeführt.

Dakota Wayne is a composer of conceptual and performative music whose work examines the social situation in and around sound. His work has been performed internationally at festivals, including ZeitRäume Basel [2021], impuls [2019,2023], Darmstädter Ferienkurse [2018], and SALT New Music Festival [2015]. He has worked with experienced ensembles in the field such as the kinnekt kollektiv, VanProject, Illinois Modern Ensemble, Purchase Contemporary Ensemble, as well as outstanding performers, Miranda Cuckson,
Rebekkah Heller, Gunnhilldur Einarsdottir, Seth Josef, Ellen Fallowfield, Sanae Yoshida, Peyee Chen, Kalle Hakosalo, Mikolaj Rytowski, and Phoebe Bognar among others. Dakota’s work spans disciplines, as he has experience in installation and performance art as well as theater music. Originally from Albany, New York, Dakota has studied in the US and Europe, holding degrees from Purchase College, University of Illinois and the Kunstuniversität Graz. He is currently pursuing the Music and Research program at the Music Academy
Basel.

Mauricio Silva Orendain Die Plastizität der Pfeife | 26.3.2024
Mikrotonalität als Klangsynthese

Orgelpfeifen werden in der Regel nur als Teil eines gesamten Instruments betrachtet. Sie selbst sind auffällig unbeweglich und unplastisch, und sobald sie die Werkstatt des Orgelbauers verlassen, sind ihre Materialeigenschaften sowie ihre Klangfarbe und
Tonhöhe festgelegt. Durch dynamischen Wind eröffnet sich jedoch eine breite Palette an Klängen schon bei einer einzelnen Pfeife, was sie zu einem vielseitigen Instrument macht. Dieses künstlerische und wissenschaftliche Forschungsprojekt nutzt den Begriff
"Plastizität", abgeleitet vom griechischen "plastikos" (verformbar, modellierbar), als Metapher und erforscht die Manipulation des Klangs einzelnen Orgelpfeife durch moderne und flexible Windversorgungen.

Der resultierende reichhaltige Fundus an Obertönen, Multiphonics, Glissandi, Geräuschen und weiteren abstrakten Klängen in einzelnen Orgelpfeifen ermöglicht eine tiefgreifende mikroskopische Bearbeitung der Klangfarben und ein neues Verständnis was Klangfarbe sein kann. Dabei können Registrierung und die entstehende Mikrotonalität als eine Art additive Klangsynthese betrachtet werden. Die Frage, wie dieses Konzept die Architektur und Ästhetik der Orgel als Gesamtsynthesizer sowie die Pfeife als einziges Instrument im Bereich des Orgelbaus betrifft, wirft eine interessante
Perspektive auf.

Meine Arbeit umfasst Orgeln wie die 2021 eingeweihte Experimentalorgel in Kassel. Diese dient als ein Beweis dafür, dass die Erkundung des Orgelbaus noch nicht abgeschlossen ist und dass es noch viel zu erforschen und zu innovieren gibt. Um kongruente und interessante Ergebnisse zu erzielen, erfordert eine solche Erkundung künstlerisch-wissenschaftliche Arbeit und Praxis. Als Konsequenz gilt die Anpassung und ihr Prozess von Kompositionen an verschiedene Orgeln in Europa als wichtiges epistemisches Objekt der Forschung. Dies ermöglicht ein besseres Verständnis dafür, was übertragbar ist und was nur an bestimmten Orgeln möglich ist. Es wird untersucht, wie diese Anpassungen umgesetzt werden und welche ästhetischen und gestalterischen Entscheidungen dadurch beeinflusst werden können. Dieses Verständnis soll eine Brücke zwischen Orgeln für Komponisten und Organisten im Bereich der neuen Orgelmusik schlagen.
Das Projekt wird im Rahmen des MA SP Music and Research durchgeführt.

Alejandro Sarriegui Experimentelle Schlaginstrumente | 19.3.2024
Eine künstlerische Forschung in musikalischer Performance

Die zentrale Motivation für diese Forschung hängt mit meinen persönlichen Erfahrungen als Perkussionist und meinem besonderen Interesse an der Entdeckung und dem Erlernen unkonventioneller Fälle und Möglichkeiten der Klangerzeugung durch nicht standarisierte Instrumente zusammen und deren Interpretationsformen. Der Gegenstand der Untersuchung sind die experimentellen
Klangerzeuger konkreter Klänge Josef Anton Riedls. Die Idee des Projektes ist die Papier- und Glas-Installationen, “Paper-Music“ und „Glas-Spiele“, anhand ihrer Quellen zu erforschen, um eine Studie der historischen Aufführungspraxis Riedls Musik für selbstgebaute Instrumente durchzuführen. Das Problem besteht darin, dass die Primärquellen dieser Musik nur sehr eingeschränkt interpretiert werden können, da ihnen wesentlichen Informationen fehlen. Das Ziel ist eine künstlerische Forschung der musikalischen Aufführungspraxis zu betreiben, die durch deren Forschungsmodelle einen kreativen Raum für kritische Reflexion als Ansatz zur musikalischen Interpretation schafft. Eine künstlerische Forschung der musikalischen Performance könnte die notwendigen Informationen liefern, um die Lücke der Primärquellen zu ergänzen, was durch die philologische Methode der Musiktheorie nicht erreicht werden kann. Meine Interpretation der Ergebnisse der Interpretationspraxis wird die Entscheidungen schließen, die diese Lücke ergänzen wird. Durch den Umgang mit den Skizzen und den damaligen Interpreten, ergibt sich die Möglichkeit die Versionen zu rekonstruieren und Außerdem kann man durch die kritische Edition neue kreieren. Das Projekt generiert nicht nur Repertoire und originelle musikalische Interpretationen, sondern auch Wissen über die technischen und expressiven Möglichkeiten, die durch Musik für experimentelle Schlaginstrumente erfahren werden können, die das Wissen über Schlagzeug und sein Repertoire erweitern, sondern auch, dass künstlerische Forschung durch Forschungssettings der musikalischen Aufführungspraxis die Theorie der musikalischen Interpretation erweitern kann.
Das Projekt wird im Rahmen des MA SP Music and Research durchgeführt.

Jürg Henneberger, Streichquartett Morton Feldmans enharmonische Notation – hypothetischer Versuch einer «Entschlüsselung» anhand des Werks «String Quartet II» | 5. & 10.3.2024
Lecture-Performance Morton Feldmans enharmonische Notation – hypothetischer Versuch einer «Entschlüsselung» anhand des Werks «String Quartet II» | 5.3.2024
Jürg Henneberger, Moderation
Friedemann Treiber, Violine
Daniel Hauptmann, Violine
Mirka Šćepanović, Viola
Benedikt Böhlen, Violoncello

Konzert Morton Feldman (1926–1987): «String Quartet II» (1983) – ca. 5h
Friedemann Treiber, Violine
Daniel Hauptmann, Violine
Mirka Šćepanović, Viola
Benedikt Böhlen, Violoncello

Morton Feldman, geboren 1926 in New York. 1941 Beginn des Studiums bei Wallingford Riegger und Stefan Wolpe. 1949 traf Feldman John Cage, was sich als  eine der wichtigsten Begegnungen seiner musikalischen Laufbahn herausstellte. Daraus entstand eine künstlerische Vereinigung in New York, die sich der Musik Amerikas der fünfziger Jahre kritisch gegenüber stellte. Weitere Freunde und Beteiligte der damaligen New Yorker Künstlerszene waren die Komponisten Earle Brown und Christian Wolff, die Maler Mark Rothko, Philip Guston, Franz Kline, Jackson Pollock und Robert Rauschenberg, sowie der Pianist David Tudor. Die Kunstmaler beeinflussten Feldman, seine eigene Klangwelt zu finden, eine Klangwelt, die unmittelbarer und physischer war als sie je zuvor existiert hat. Daraus folgten seine Versuche mit graphischer Notation. Da jedoch diese Art von Notation allzu sehr in die Nähe der Improvisation führte, war Feldman nicht zufrieden wegen der Freiheit der Interpreten und den Ergebnissen, die daraus entstanden. Deshalb distanzierte er sich in der zweiten Hälfte der fünfziger Jahre wieder davon. 1973 wurde Feldman von der «University of New York» in Buffalo zum Edgar Varèse-Professor berufen, eine Stelle, die er bis zum Ende seines Lebens behielt. Im Juni 1987 heiratete Morton Feldman die Komponistin Barbara Monk. Am 3. September 1987 starb er in seinem Haus in Buffalo im Alter von 61 Jahren.
In den frühen achtziger Jahren, seiner Schlussperiode, beschäftigte Feldman sich weiterhin mit dem Verfahren, «Materialien verschmelzen zu lassen». Seine musikalische Sprache wird geprägt durch rhythmische «Patterns» oder melodische Gesten, die sich innerhalb wiederkehrender Zyklen variieren. Diese melodischen Gesten oder Akkorde sind oft von Stille umschlossen (Pausen in der Musiknotation). Solche Momente der Stille sind Teil des ganzen Musters oder Zyklus. Feldman schuf grosse Bewusstseinsblöcke – ein Bewusstsein des Augenblicks, eine Erinnerung an Strukturen oder an den Zustand des Andersgewesenseins oder Andersseins, und mithin einen «Erzählstil». Er erreicht eine einheitliche Sprache, indem er gewisse Parameter für alle späteren Stücke festlegt: so ist das Tempo meist Viertel gleich 63 - 66 pro Minute, die Dynamik bewegt sich im Bereich ppp - ppppp. Die Einheitlichkeit erstreckt sich bis in den graphischen Bereich: jede Zeile seiner Partituren ist eingeteilt in 9 Takte von gleicher Länge, unabhängig vom wechselnden Metrum. Im Bereich der Kammermusik schrieb er von da an wiederholt Werke mit einer Spieldauer von 45 bis 60 Minuten, sogar vier- bis fünf-stündige Stücke, wie «For Philip Guston» oder «String Quartet II». In Feldmans letzten Dekade seines Lebens sind insgesamt 9 Werke, die länger als 70 Minuten dauern, entstanden.
Morton Feldmans enharmonische Notation, die er ab den 1970er Jahren ausschliesslich und (fast) ausdrücklich für die Streichinstrumente anwendet, stellt die Interpreten bis heute vor ein Rätsel. Von Feldman selbst gibt es keine klare, eindeutige Aussage, was mit dieser Notation gemeint ist. Gesprächsweise hat Feldman bestätigt, dass die Notation mikrotonal gemeint ist, jedoch fehlt eine genaue Ausführung, wie diese Mikrotonalität umzusetzen ist. Der Komponist Marc Sabat hat gemeinsam mit Wolfgang von Schweinitz 2001 eine Notation entwickelt, die auf der Oberton-Theorie basiert. Diese Theorie basiert auf der mitteltönigen Intonation, wie sie Nicola Vicentino Mitte des XVI. Jahrhunderts in seinem Hauptwerk «L’antica musica ridotta alla moderna prattica» beschrieben hat. Die Gründe für diese Sichtweise bleiben für mich allerdings hypothetisch. Meiner Ansicht nach hat Feldmans Musik sehr wenig mit der «just intonation» zu tun, auf der diese Theorie beruht. Sie lässt sich auch nicht durch Aussagen in Feldmans Schriften oder Gesprächen überzeugend belegen. In meiner Sabbaticalarbeit habe ich 2020 meine eigene Theorie verfolgt und zu belegen versucht, die in diametralem Gegensatz zu Sabat’s Sichtweise steht. Meines Wissens ist es das erste Mal, dass ein Streichquartett versucht, diese enharmonische Notation in einer Aufführung ernst zu nehmen und hörbar zu machen.

Hinweis:
Jürg Henneberger: Mikrotonalität und Polymetrik bei Morton Feldman anhand der Werke «String Quartet II» und «For Philip Guston» Feldmans enharmonische Notation – hypothetischer Versuch einer «Entschlüsselung». Spielpraktische Neuausgabe des Trios For Philip Guston (Abschlussbericht des Sabbaticals von Jürg Henneberger Dezember 2019 – März 2020 an der Musik-Akademie Basel, FHNW)